Qu'est ce que la créativité ?
Avant de parler de créativité musicale, je fais juste un petit détour pour définir le mot créativité.
La créativité a longtemps été quelque chose d’assez flou. Jonah Lehrer, auteur américain dit : « Longtemps, les gens n’ont pas compris ce que signifiait la créativité, ils finirent par penser que leurs idées venaient d’ailleurs ». Le terme créativité (creativity) est un néologisme anglophone créé par l’américain Abraham Maslow dans son livre Motivation and personality -1954.
Le mot est popularisé par Alex Osborn dans L’imagination constructive paru en 1959. A l’heure d’aujourd’hui, on trouve plusieurs définitions, mais je m’inspire principalement de celle de Guy Aznar en disant que la créativité est l’art de transformer l’imagination pour produire des idées nouvelles.
Alors pourquoi un musicien doit-il s’intéresser aux techniques créatives musicales ?
1/Parce que nous sommes des êtres imparfaits...
... et que certaines de nos émotions freinent ou empêchent un processus créatif efficient.
N’avez vous jamais eu, dans un groupe, le sentiment que parfois personne ne s’écoute vraiment ? La répétition est alors simplement le moment où l’on joue de la musique ensemble, mais la cohésion n’est pas là. Mais rien n’est organisé pour favoriser la création.
C’est une banalité, mais il y a très fréquemment des histoires d’ego, de personnalité : le chanteur qui considère avoir un statut à part des musiciens, le guitariste qui joue plus fort que les autres, etc. On ne peut pas être créatif dans un climat compétitif. Il faut de la bienveillance.
Sans oublier l’émotion. Les jours ne se ressemblent pas, on est pas toujours d’humeur constante. Difficile parfois d’oublier en répétition les impératifs de la vie quotidienne.
En bref tout ce qui fait de nous des humains va lourdement influencer nos capacités créatives.
On peut bien évidemment arrêter de jouer en groupe et s’enfermer dans un placard. Mais il y a plus efficace et plus agréable.
Une des solutions est donc de canaliser et d'organiser le processus de composition.
Les outils créatifs permettent la mise en mouvement des idées. Il faut fluidifier la communication afin qu’elle ne soit qu’au service de la création.
Pour cela il faut établir des règles de fonctionnement afin de permettre à chacun de prendre une place efficace dans la création. On s’appuie alors sur l’intelligence collective du groupe et un tas de cerveau, c’est mieux qu’un seul !
2 / Pour se sentir bien.
De mon côté, si je fais un retour en arrière sur mon parcours musical, mon plus grand plaisir a toujours été de composer, d’inventer, de chercher. Créer quelque chose de nouveau, avoir l’impression de défricher un terrain inconnu. Être surpris, étonné. Tout ceci est, selon moi, un véritable carburant pour le musicien.
Si la composition, la création est pesante, difficile, c’est que la méthode n’est pas adaptée.
Vous ne révolutionnerez peut-être pas la musique, mais je peux vous affirmer que grâce à ces outils vous ne vous ennuierez plus et prendrez du plaisir à composer. Le fait que notre création sera ou non publiée, jouée en concert, n’aura pas d’impact sur le plaisir ressenti lors de la création.
La création à un côté euphorisant, il existe un état dans lequel nous sommes extrêmement concentrés, tout coule facilement, il n’y a pas de blocage ou d’obstacles.
Cet état a été définit dans les années 70, par Mihaly Csikszentmihalyi. Ce psychologue hongrois a appelé cet état « le flow » (le Flux, en français). Lors de l’étude de personnes considérées comme très créatives, il a pu observer qu’elles entraient dans un état de concentration optimale source de joie et de satisfaction.
Le flow est donc un état caractérisé par une grande concentration, une absence de conscience de soi et un sentiment d’accomplissement à travers la créativité. Le flow donne un sentiment de joie spontanée et de bien être pendant l’activité.
Ce concept a été repéré dans de nombreux domaines (éducation, sport, musique, etc.)
3 / Pour les groupe mais aussi pour les artistes musiciens solo !
Ces techniques sont fréquemment dédiées au jeu collectif et sont là pour avancer en tant que groupe. Cependant, il existe un nombre important de méthodes adaptées à l’artiste solo, au chanteur accompagnateur, etc.
L’artiste seul y trouvera son compte.
Si vous êtes seul, vous ne pourrez pas multiplier les cerveaux. Le cerveau n’est pas un petit pain. Mais, par contre, pour le musicien seul, il est encore plus essentiel de multiplier les approches, les méthodes. Ces approches pour le musicien solitaire sont celles issues de la pensée divergente (Edward de Bono, Lateral thinking). Je donne la définition du professeur Louis d’Hainaut (tirée du site Iris Créativité) « La pensée divergente est celle qui, dans un problème, recherche toutes les solutions possibles. Elle est moins attachée au conformisme de la réponse qu’à son originalité. Elle est à son aise dans les questions vastes et mal définies, capable d’apercevoir des relations entre des faits jamais rapprochés jusque là, de produire des formes nouvelles par essais et erreurs, par tâtonnement expérimental. C’est la pensée de l’artiste, du savant, du pionnier, du novateur « .
4 / Permet de développer la confiance en soi
Créer une pièce de musique, que ce soit une simple mélodie ou une orchestration complète est une manière de mettre en valeur notre capacité et notre travail musical. C’est en créant que l’on apprend à faire confiance à notre instinct et nos capacités.
La vie de 99 % des musiciens a beaucoup de haut et de bas, avec des risques d’échecs importants. Il faut accepter que ce que l’on compose, crée, peut ne pas plaire, peut ne jamais être mis en lumière. S’engager dans un processus créatif permet de développer la confiance en soi et le plaisir de l’accomplissement.
Vous découvrez aussi que l’erreur est une composante normal du processus.
Accepter l’erreur, apprendre à faire avec les contraintes qu’elle nous impose est une des caractéristiques des musiciens créatifs.
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5 / Pour résoudre les problèmes des musiciens.
On a pas tous des problèmes, mais ne vous êtes vous jamais retrouvé face à une situation telle que celles-ci ?
- une répétition mal organisée
La répétition est finie, on a répété pour la centième fois les morceaux de notre répertoire. On est bien content, on a essayé de composer, mais rien n’est vraiment sorti. À ce rythme là, on aura un nouveau morceau dans 3 mois. - le syndrome de la page blanche
A vouloir faire une œuvre parfaite, on ne se lance pas par peur de faire quelque chose de moyen. - les limites des musiciens.
- Lors de la composition, on peut se rendre compte que l’un des musiciens a une difficulté qui ne vous permet pas d’atteindre votre idéal. Vous insistez, plutôt que de mettre à profit cette limite. Résultat : ça ne sonne pas comme vous l’espériez, vous perdez votre motivation et le morceau n’avance pas.
6 / Les techniques de créativité sont efficaces.
Ces techniques sont reconnues et efficaces. Les méthodes créatives ont été l’objet de centaines d’études depuis les années 70.
Ces techniques ont fait leurs preuves dans pleins de domaine (arts, design, etc.)
Il y a un large panel de techniques efficaces expérimentées depuis des années : il y en a pour tout les goûts. Mes influences vont du côté d’auteurs comme Guy Aznar, Edward de Bono, Luc de Brabandere, Gaston Bachelard, etc.
De plus, elles sont vraiment adaptées à tous les musiciens. Avec de la bonne volonté bien sûr !
Du groupe amateurs de rock, en passant par la chorale jusqu’au Big Band.
De mon côté, j’expérimente ces méthodes que ce soit pour des groupes de musiciens, ou bien à titre personnel depuis plus de 10 ans. Les résultats sont sans appels : les méthodes fonctionnent, font gagner du temps et permettent de générer bien plus d’idées musicales qu’une simple jam session par exemple.
7 / C'est pour tous les musiciens.
Contrairement à ce que je peux souvent entendre, tout le monde peut être créatif. Il s’agit plus d’une posture et d’une méthodologie plutôt qu’un super-pouvoir.
Tous les spécialistes de la créativité le confirment : la créativité n’est pas une capacité surnaturelle,
Ken Robinson, auteur spécialiste de l’éducation et de la créativité, le dit : « Lorsque certaines personnes m’expliquent ne pas être créatives, je me dis qu’ils n’ont simplement pas encore appris à l’être « .
Créer est le fruit d’un travail, d’un entraînement et de l’application de méthodes. On apprend à associer des choses pour générer de nouvelles idées.
LA bonne nouvelle est donc, qu’il suffit de s’entraîner et de travailler pour créer.
Que l’on soit musicien confirmé ou débutant, on est tous égaux face à la créativité. La différence entre le musicien expérimenté et le débutant se fera essentiellement dans les moyens d’expression musicaux.
8 / Pour redevenir curieux.
Assez tôt, dans notre enfance, on nous pousse à poser des questions, à être curieux. Les enfants explorent, posent des questions, ont une curiosité naturelle.
A l’age adulte, la curiosité tends à s’estomper. Il y a bien évidemment des gens plus curieux que d’autres, mais de manière générale, nous perdons une partie de nos capacités à être inventifs. Notre système de pensée se rigidifie.
Une des expériences les plus connues sur cette idée est celle de George Land et Beth Jarman qui ont fait passer des test de créativité du genre : répondre à un problème avec une solution différente et innovante à 1600 enfant. Ces mêmes enfants ont passé le test à l’âge de 3/5 ans, 10 ans et 15 ans. Le résultat a été un effondrement des résultats. La capacité créative passait de 98 % à 12 %. Le même test a été fait auprès de 280 000 adultes. Résultat : 2%.
Cela ne vaut pas pour tout le monde évidemment, mais cela montre une tendance générale quant au lien entre la capacité créative des gens et leur âge.
Les techniques de créativité permettent d’assouplir notre système de pensée.
9 / C'est bon pour l'entente du groupe !
Créer en groupe, c’est décider des règles qui permettront à la répétition de ne pas être le terrain d’un combat d’idées stérile, de celui qui insistera le plus pour imposer son idée. Il s’agira plutôt de favoriser les rebonds d’idées, la construction collective et la bonne synergie du groupe.
Le fondement de la bonne pratique des d’outils créatifs est la bonne compréhension et l’acceptation de règles de fonctionnement.
10 / À chaque objectif, une technique adaptée.
Les méthodes sont adaptées au résultat que vous souhaitez obtenir : écrire une nouvelle chanson pour demain ? Trouver un thème à notre concert de fin d’année, composer pour le nouvel album ? Réarranger d’anciens titres ? Etc.
11 / Pour ne plus perdre de temps.
Il est temps de se mettre à composer. On répond à un message sur son téléphone, on se laisse happer par une notification. Les outils créatifs permettent de se donner un cadre et des contraintes pour la création musicale. Ils permettent aussi de résoudre le problème de l’attente de l’idée géniale.
12 / Et surtout ! Pas besoin d'être intelligent !
Hervé Platel, Professeur de Neuropsychologie, dit : « La créativité n’est pas forcément liée à l’intelligence, et il n’y a pas d’intelligence spécifique à la créativité. Les résultats des tests QI chez certains créatifs ne montrent pas forcement des scores très élevés. Le niveau d’études non plus ne suit pas forcement la courbe de la créativité « .
La véritable nourriture de l’attitude créative est la curiosité et l’adaptabilité face à l’incertitude.
Pour conclure.
Il n’y a aucune raison de ne pas s’intéresser à ces techniques. Ne serait-ce que par curiosité !
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Et si vraiment… vous avez la flemme, je peux composer vous vous.
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